EXPRESIÓN FACIAL

La expresión facial es, junto con los ojos, el mejor modo de transmitir las emociones y los sentimientos. Constituye un medio de comunicación directo, sin palabras, universal, el modo más sincero y espontáneo de mostrarnos. Así lo escribió Descartes:

La naturaleza no solamente dio al hombre la voz y la lengua, para ser los intérpretes de sus pensamientos; sino que en la desconfianza que tuvo de que pudiese abusar de ello, aún hizo hablar su frente y sus ojos para desmentirlas cuando no fuesen fieles. En una palabra, ella muestra toda su alma al exterior

Por otra parte la socialización nos ha enseñado que en ocasiones debemos ocultar nuestro sentimiento en función de las circunstancias, hay un proceso de aprendizaje que se inicia en la infancia y que vamos puliendo con la edad -no está nada bien una carcajada en un funeral-

Cierto que la otra gran apoyatura expresiva es la gestualidad corporal, como luego lo será también el movimiento o el color, pero hoy nos centramos en el rostro.

Reconocemos en un rostro la expresión de la risa, de la ira, del temor, del aburrimiento, de la ansiedad, de la sorpresa, de la alegría, de la inquietud,.... ¡Cuánto puede decir un mínimo rictus! En ello se basaba el cine mudo y en ello se fundamenta la performance o el mimo, como estas expresiones del gran Marcel Marceau interpretando a su personaje Bip. Y, desde luego, ahí tenemos los emoticones para comunicar sin palabras.

Tanto la filosofía como la ciencia o las artes plásticas han ahondado en su estudio. Los primeros, de Pseudo-Aristóteles a Duchenne, para comprender su funcionamiento o para establecer una relación directa entre rostro y carácter (fisiognomía). En esta línea, la falsa ciencia parte de una analogía entre rostro humano y de animales, para luego añadir al poseedor de ese tipo de rostro los rasgos propios del animal. Della Porta, a finales del siglo XVI, estableció toda una relación de analogías en el primer tratado de este tema, De humana Physiognomia, detallando e ilustrando en cada prototipo los rasgos físicos y de carácter atrubuidos, por ejemplo el que se asemeja a una oveja es "estúpido e impío", en el que tiene rostro de buey domina la "irritabilidad, terquedad, pereza".

En resumen, los supuestos fisiognómicos predecirían el temperamento de una persona (quizá por eso, en una película el "malo" suele tener un determinado aspecto -como Bardem en Un país para viejos-, y cuando no lo tiene resulta mucho más sorprendente -como los chicos de Funny Games-). Un poco vemos que esto se cumple en un tema como el de la Última Cena, busca un cuadro y localiza a los apóstoles Judas, el traidor, y a Juan, el discípulo más amado. Mira a ambos apóstoles en la obra de Leonardo, ¿ves los prototipos que se eligen para cada uno?

En las artes plásticas se buscaba algo más allá de lo supuestamente permanente de la fisiognomía, la expresión de las pasiones en tanto un momento transitorio de los sentimientos del alma. Era necesario adecuar los rostros a las sensaciones que se quieren generar en el público de acuerdo con la narración que se presenta o como medio para describir el carácter de un personaje. A partir del siglo XV y sobre todo del XVII, se establecieron fórmulas efectistas de expresividad.

El interés era ya patente desde la Antigüedad -el pathos helenístico de la Ménade de Scopas-. Basta comparar las obras griegas y romanas que siguen: el rostro del Auriga de Delfos y el rostro de Antinoo son hermosos sin duda pero absolutamente inexpresivos, en cambio el rostro de Laocoonte o el del emperador Caracalla nos hablan del sufrimiento y dejan asomar el transfondo psicológico del retratado. El psiquiatra Rojas Marcos ha escrito que en el rostro reside la esencia de la persona. Bueno, no sé que se diría de las personas con retoques faciales, es posible que además de perder expresión pierdan personalidad.

Y es que las pasiones, particularmente las fuertes, deforman el rostro, lo que en sentido clásico equivalía a la pérdida de la belleza, en tanto que se entendía como harmonía y equilibrio.

Sin embargo desde el Renacimiento y sobre todo en el Barroco las cosas cambian drásticamente. Ahora el camino del naturalismo incluye la plasmación de esos movimientos del alma de los que habla Descartes a fin de mover los afectos. Era por tanto preciso trabajar todo un repertorio de gestos expresivos. Necesario porque hay iconografías que exigen de este tipo de expresión muy marcada, para comunicar hay que enfatizar. Las podemos encontrar en obras religiosas (martirios, éxtasis, milagros, los condenados del infierno), mitológicas (Medusa, Prometeo), históricos (batallas), costumbristas (las bambochadas holandesas) e incluso en retratos. Y, a medida que avanza el tiempo, en cualquier detalle realista.

Le Brun fijó un repertorio de variaciones del rostro en razón de las pasiones, no se trata de un proyecto tomado del natural, crea racionalmente modelos prototípicos que funcionan como un método codificado para aprender a reflejar las pasiones. Parte de la premisa de que cada emoción produce alteraciones faciales características, por lo que es posible fijar un abecedario estandarizado. Sus estudios se publicaron póstumamente, en 1698, bajo el título Método para aprender a dibujar las pasiones.

Tristeza y cólera

Así lo explicaba a toda rima Diego Antonio Rejón de Silva en La Pintura: Poema didáctico en tres cantos (1786).

No ha de haber en el quadro una cabeza

Cuyo gesto no explíque con viveza

La relacion que tiene con el caso 

Que alli se finge; pero un mismo afecto

No ha de mirarse en todas, que es defecto: 

Antes bien con estudio nada escaso 

Habrá en cada semblante

Sensacion muy distinta; 

Qual mostrará la angustia de un amante, 

Qual estará admirado,

Qual con deseo grande, qual pasmado. 

 Según es el caráter que se pinta 

En todas las figuras de una Historia, 

Así debe el Pintor con gran cuidado 

Representar del alma las pasiones 

Graduando su saber las proporciones; 

Porque nunca ha de ser contradictoria 

La accion y el personage.

Muchos artistas practicaron con su propio rostro y un espejo para experimentar formas gestuales que utilizar luego en sus obras. Este sistema evitaba la presencia de un modelo y por tanto resultaba más económico. Se trata de un género muy difundido en el barroco holandés y flamenco, que se conoce con el nombre de tronie y que a menudo se servía de personas desconocidas, a diferencia de un retrato. Incluso la archiconocida Joven de la perla de Vermeer es considerada un tronie

Conservamos algunos de estos dibujos de estudios de expresión y vamos a revisarlos eligiendo aquellos más expresivos, de gestos marcados y exagerados.
Empezamos -por mera elección personal- por Rembrandt, quien hizo más de cien autorretratos a lo largo de su vida, que permiten seguir su peripecia vital y la opinión que tiene de si mismo.

Lo mismo sucede en estos otros estudios de pintores de épocas bien diferenciadas desde Durero -el artista renacentista que más veces se autorretrató- hasta van Gogh que lo hizo en más de treinta ocasiones, o Hockney.

No solo se estudiaron, sino que también se autorretrataron encarnándose a si mismos o a otros personajes con estos deformantes gestos faciales

Seguramente el mas sorprendente en escultura sea Messerchmidt, quien en el último tercio del XVIII se centró obsesivamente en esculpir hiperrealistas cabezas, cabezas de caracteres, tomándose a si mismo como modelo. Realizadas en bronce, yeso, alabastro, tenían como finalidad reflejar las expresiones primordiales del ser humano - los afectos- que fijó en 64.

Esta etapa final de su vida coincidió con recaídas de su esquizofrenia lo que, sin embargo, no le impidió seguir trabajando mirándose frente al espejo con las gestualidades que deseaba plasmar.

Algunos artistas contemporáneos ejemplifican esta introspección personal, de un modo notable lo vemos en las esculturas hiperrealistas de Richard Stipl, que se utiliza a sí mismo de modo repetido, seriación de un personaje en diferentes expresiones y posiciones.

En las fotografías de Claude Cahun sus autorretratos no se quedan en el reflejo de un rostro, hay un trasfondo reivindicativo en contra de los estereotipados roles femeninos.

Bill Viola, pionero del videoarte, recoge en su serie Las Pasiones -20 instalaciones- una especie de cuadros en movimiento centrados en las expresiones del rostro, conectando gentes de hoy -actores- con cuadros del pasado y los sentimientos que contiene (ver Emergence, inspirado en la Piedad de Masolino). Son filmaciones de alta resolución, rodadas a gran velocidad de modo que la acción se ralentiza haciendo más evidentes las emociones. En el video Six Heads analiza seis estados de ánimo (el júbilo, el pesar, el enojo, el temor, el sobrecogimiento y el sueño), que un actor se encarga de expresar en una única pantalla.



Volviendo al papel y a los maestros del pasado, por supuesto que en muchas otras ocasiones sus estudios fueron realizados para obras concretas, tan expresivas como estas que siguen y que no puedo evitar poner. En el primer bloque estudios de Leonardo y de Miguel Ángel, en el segundo una mezcla diversa pero curiosa.

Será interesante hacer otro día un estudio sobre la gestualidad de las manos, del mismo modo que hemos hecho referencia a la gestualidad de las manos del Greco. ¡Otro día!

TIEMPO DE LLUVIA

Sirva esta entrañable ilustración de Sam Toft como punto de partida para tratar sobre lluvia y paraguas en este comienzo de otoño. Hay un refrán clásico que dice otoño lluvioso, año copioso. Confiemos que así sea y preparémonos sin rechistar para sacar el paraguas todas las veces necesarias.

Y si pensamos en lluvia y paraguas rápidamente se nos vienen a la mente algunas imágenes que ya forman parte del ideario colectivo. Seguro que todo el mundo asocia cada una de estos fotogramas con su correspondiente película
. Para ambientqrnos escuchemos a Debussy

Estampe n°3 - Jardins sous la pluie, Claude Debussy 1903

El arte tiene sus imágenes icónicas, como estas surrealistas de Magritte y Dalí. Cierto que no son imágenes de lluvia, están los paraguas en función contradictoria o están esos hombres  -todos idénticos, rígidos, con bombín negro, abrigo y paraguas- que no sabemos si caen como gotas de lluvia o simplemente flotan sobre la ciudad.

En la misma línea surrealista, esta fuente del 2003

Pero retrocedamos. Hay muchas formas de tratar la lluvia con mayor o menor protagonismo, por si misma y por sus efectos, con valor simbólico, como marco de una acción,......Sin duda quienes investigaron más en el modo de representar la lluvia y la atmósfera fueron pintores separados en el tiempo, por un parte Turner y por otra los impresionistas y postimpresionistas, desde Monet a van Gogh.

Turner, Lluvia, vapor y velocidad (1844)

Un ferrocarril avanza impetuosamente -en oposición de la pequeña barca a la izquierda- hacia el espectador, sobre un puente en medio de la neblina, la lluvia, las nubes, el humo y el vapor de la máquina. Por delante, una liebre huye a toda carrera (ver mejor aquí) Todos los elementos se desvanecen, se desmaterializan,  cielo-tierra-agua se confunden. Lo que Turner busca es el efecto atmosférico resuelto en un significativo juego dinámico de luz y color aplicado en pinceladas sueltas

Tormentas, nubes y lluvia en estos apuntes de alguien que se subió al mástil del Ares durante cuatro horas para vivir en directo la fuerza de una tormenta

Constable, cuando se olvida de sus repetidos paisajes rurales resulta mucho más innovador, cercano a la línea rupturista de Turner

Monet, Étretat sous la pluie, 1886

A los impresionistas les gustaba la luz y los reflejos sobre el agua, sin embargo no renunciaron a los efectos de lluvia, siempre, al menos Monet, trabajando a plein air.

Entre 1883 y 1886 visitó anualmente esta localidad costera de Normandía fascinado por sus acantilados calcáreos que pintó más de ochenta veces -un preludio de sus series con las que captar el momento cambiante-, particularmente ese gran arco conocido como la Manneporte. Es un día gris, el mar está agitado, las olas baten contra las rocas, el viento y la lluvia desdibujan las formas y mitigan los colores.

Cierto que el estudio del efecto lluvia no fue demasiado tratado, no era cómodo estar en el exterior con el caballete y pintando un paisaje en pleno chaparrón. Aún así, tenemos estos otros ejemplos de Monet

Gustave Caillebotte, Calle de París, día lluvioso (1877)

Pese a ser una de las seis piezas para la III Exposición de los Impresionistas, el tratamiento resulta muy realista especialmente en esta pareja burguesa que camina por las nuevas calles abiertas por Haussmann en aquella planificación modernizadora de París impulsada por Napoleón III.

El ambiente resulta monótono, lento, gris -también en el color-, lánguido. Podemos sentir una similitud entre el orden racional, repetitivo y aséptico de la gran expansión urbanística -aquí, engrandecida por la perspectiva-, la marcada estructura de línea horizontal que se cruza en el centro con la vertical de la farola desde donde se abren las diagonales que llevan al fondo y la frialdad de los personajes que discurren por estos nuevos espacios. Son como figurantes aislados que transmiten un aire de soledad y asilamiento.

El reconocimiento de la obra de Caillebotte se constata en el hecho de que Monet tenía una réplica en su casa de Giverny, sobre el cabecero de su cama. Fueron amigos unidos por una pasión común, además de la pintura: la jardinería y la horticultura.
En esta otra obra, Yerre sous la pluie (1875), recoge un fragmento del canal con las gotas de lluvia que caen sobre el agua creando círculos en distintos tamaños, junto con los efectos de la luz que atraviesa la orilla arbolada.

Renoir, Los paraguas (1881-86)

Una escena de la vida cotidiana cuando la lluvia sorprende a la gente de una concurrida calle parisina -en lo alto, se adivina una línea de fachadas a la derecha y una línea de arboleda a la izquierda, por lo que seguramente estamos en uno de los nuevos bulevares-. Todos se apresuran a abrir sus paraguas y, para no darle en la cara al vecino, los inclinan y levantan formando una caótica pirámide.

Las diferencias con la obra de Caillebotte son evidentes. Aquí domina el abigarramiento, la falta de espacio -solo vemos el suelo en el primer plano-, la ordenación en círculo a partir de la caja-una caja de sombreros- que lleva la joven del primer plano y que ejerce de eje central, las figuras recortadas en los márgenes para incrementar la sensación de instantaneidad,  la idea de bullicio, la inclusión de detalles como la joven -posiblemente empleada de una sombrerería que va a entregar un sombrero- que levanta sus faldas para no mancharlas, el joven que la mira, o la madre que cariñosamente llama a sus hijas para protegerlas bajo el paraguas. Domina la gama de los azules, pero se trata de azules vibrantes y cálidos, que no amortiguan la vivacidad de la escena

Degas, Jinetes bajo la lluvia (1886)

Una escena de hipódromo -uno de sus temas predilectos-, un lugar que por entonces se había convertido en punto de encuentro social. Caballos y jinetes están dispuestos diagonalmente en formación, preparados para la salida, pero la lluvia inquieta a los caballos pese a los intentos de sus jinetes por calmarlos. Esos movimientos espontáneos son los que busca plasmar Degas, un instante concreto captado como  una imagen fotográfica (de nuevo las figuras recortadas en los márgenes). Un tanto alejado de los impresionistas, en esta obra la lluvia se materializa en cortas líneas que no llegar a difuminar las formas.

Y ejemplos de  Pissarro, Sisley y van Gogh

Les Nabis, en su vuelta al mundo rural, a lo primitivo, con su predilección por los colores puros y planos,  con su visión subjetiva, nos han dejado alguna muestra de paisajes de Bretaña bajo la lluvia


Con técnicas impresionistas y postimpresionistas, muchos pintores, incluidos los norteamericanos han incidido en paisajes urbanos en días de lluvia, interesados en los reflejos del suelo que, en los nocturnos, se mezclan con los reflejos lumínicos (Norman Garstin y Childe Hassan)

Chagall, La lluvia (1911)

 

El año anterior acababa de llegar a París, la nostalgia de su Rusia natal aún está muy presente en la escena.

Es una imagen de la vida cotidiana en el ámbito de su aldea natal, tomada de la realidad pero tratada con una imaginación y una inventiva que genera un mundo distinto del que conocemos.

Ha comenzado a llover aunque sólo esté indicado por esas pinceladas blancas, pero hay que abrigarse, pedir un paraguas y guardar el ganado. 

Ya están presentes rasgos de su inclasificable estilo como la descomposición en planos, el color aleatorio o la yuxtaposición de perspectivas.

Franz Marc, Bajo la lluvia, 1912 

Una pareja y un perro en un jardín, sus formas se entremezclan con la vegetación. La naturaleza se funde en un todo. 

La lluvia que cae diagonalmente de izquierda a derecha parece arrastrar con ella el color en esas anchas facetas de tonalidades puras. Potencia cromática y juego visual con formas cubistas y un asomo de movimiento futurista en la representación de la lluvia.

 Kandinsky, Landscape with Rain, 1913

Las nubes descargan la lluvia en forma de líneas negras, el sol comienza a asomar. 

Correspondería a lo que denomina Impresiones, aun con referencias figurativas.

Giacomo Balla, La fila per l'agnello, 1942

Al margen de sus aportaciones al Futurismo y regresando a la pintura figurativa, pinta este lienzo desde la terraza de su casa en Roma.
Estamos en la IIGM, en una calle casi vacía, un grupo de gentes se agolpa a la puerta de un edificio: es el local de reparto de alimentos de acuerdo con el racionamiento. El título literalmente significa la fila del cordero.
Hay que recordar que Balla se había unido al movimiento fascista y que es autor de la obra Marcha sobre Roma (1922),  con Mussolini a l cabeza.
Con un tratamiento realista y un punto de vista diagonal, el autor no incide en la problemática del tema, se muestra distante no solo física sino también emocionalmente. Si no conocemos el tema y las circunstancias, nos queda tan solo una imagen urbana de un día de lluvia, con reflejos en el suelo, sin cielo como un mundo cerrado en si mismo. Una imagen aséptica al margen del conflicto subyacente, aunque también es cierto que esa soledad traspasa la tela.

MUJER BAJO LA LLUVIA

En el street art encontramos algunas muestras como la mítica niña del paraguas de Banksy y la Lluvia de colores del grupo noruego Skurktur, con connotaciones del presente

El grupo Random International ofrece una experiencia sensorial interactiva en la instalación Rain Room: un espacio de 100 m2cerrado en el que llueve "a mares" pero en el que el visitante nunca se moja. Unos sensores detectan el cuerpo humano deteniendo el agua que caería sobre ellos, siguiendo su movimiento.



Rematamos con un poema y un corto de animación de Pixar, The Blue Umbrella, que aquí se tradujo como Azulado.

Apollinaire, caligrama Il pleut Llueven voces de mujer como si estuvieran muertas incluso en el recuerdo. Vosotros también llovéis, maravillosos encuentros de mi vida, ¡oh, gotitas! Y esas nubes encabritadas se ponen a relinchar todo un universo de ciudades auriculares se escucha si llueve mientras que el remordimiento y el desdén lloran una antigua música escucha caer los lazos que te retienen arriba y abajo